* Este post traz impressões sobre a Meia-noite em Paris, de Woody Allen, enriquecidas, confundidas e cheias de graça em função de conversas travadas no Facebook. E que continuarão aqui.

Demorei, mas vi: “Meia-noite em Paris” é excelente! E já estou com caraminholas a respeito desse ótimo Woody Allen: trata-se de um filme sobre a nostalgia, individual e da própria cultura? Cada um de nós tem sua própria golden age, a sua Belle Époque amorosa e intelectual, ou tudo não passará de uma invenção para que suportemos o presente, que sempre nos soa mais enfadonho do que é, mais pobre do que é?

É o tipo de filme que, para quem apenas vai se divertir, é diversão garantida, e, para quem tem um olhar um pouco mais exigente, há provocações a cada cena. Pode ser, como falei acima, um filme sobre a nostalgia da cultura ou pessoal, mas também talvez não seja absurdo ver ali, em outra camada, uma conversa cinematográfica com Truffaut. Essa observação não é minha, é da Beá Tibiriçá, feita num dos tantos comentários trocados em meu mural do Facebook a respeito desse ótimo Woody Allen.

E eu e você podemos nos perguntar: qual a relação com Truffaut? Um palpite, transcrito do meu comentário do Facebook:

Clayton: Beá, mas que boa provocação? Estou cá a pensar qual a semelhança com Truffaut, de quem sou fã incondicional…Bom, vou palpitar e delirar de novo, diga o que acha. Truffaut e Allen têm, cada um, sua voz cinematográfica (meu Deus, estou falando bonito agora rs) bem peculiar, mas ambos são do discurso – menos piruetas formais e imagens e mais texto. Salvo exceções, na obra dos dois os protagonistas costmam ser homens desconsertados, fora do eixo e da figura masculina padrão, o macho viril. E sempre apaixonados, embora inseguros em relação à aceitação da mulher amada, ou confusos em relação ao amor. Ambos gostam de deixar a cidade falar pela tela – neste caso, Paris para os dois, mas Allen tem o caso clássico de Nova York. Será por aí? Beijos!

Owen Wilson (Gil) com Alison Pill (Zelda Fistgerald)

E eis que ela responde:

Beá: Veja, em “Match Point”, descubro Hitchcock, em “Barcelona”, Almodóvar e neste, Truffaut. Ele faz singelas e maravilhosas homenagens a cada cineasta marcante destas cidades

Fiquei pensando: será isso mesmo?

Ainda estou delirando nessa observação, mas talvez faça sentido. Visualmente faz sentido. Como abordagem faz sentido. Creio que não seja absurdo pensar que a fase européia da Woody Allen, com “Match Point”, “Vicky Cristina Barcelona” e “Meia-noite em Paris”, por exemplo, permita fazer ilações com Hitchcock, Almodóvar e Truffaut, respectivamente.

Truffaut nas filmagens de A Noite americana

Em “Match Point”, há um thriller com nuanças à lá Hitchcock, mas com o jeitão do Woody Allen, enquanto em “Barcelona” temos o amor mais exaltado, personagens mais à flor da pele, entre cores e exageros, que remetem a Almodóvar. Em Meia-Noite em Paris, a leveza, o insegurança infantil de um homem pretensamente maduro, como nos acostumamos a ver em Truffaut-Jean Pierre Léaud …

E lá vem a Nica e Beá:

Verônica Couto: ambos são metalinguísticos. Tratam o filme, a arte, o criador, o fazer cinema, como tema do filme e da arte…
Beá Tibiriça: Lembra de noite americana?

Falou de um filme que gosto demais!

Clayton: Sim, total: a Noite Americana é uma ode ao cinema, ao amor de fazer e ver cinema, e aos profissionais de cinema. Foi um contraponto à visão de Godard em O Desprezo, filme ácido em relação à indústria (Hollywood), que também é metalinguístico.

Bom, isso é apenas um pensamento mal rascunhado, meio mal ajambrado. São apenas minhas primeiras impressões, enriquecidas pela conversa facebucana. Fica o assunto para a meditação dos que lerem esse post.

E o filme também nos provoca por sua leitura do passado e sua conotação na cultura, até mesmo no plano individual. Sobre isso, Verônica Couto, a Nica, também deu uma contribuição poderosa. Ela citou um trecho de T.S Eliot matador sobre a questão do passado. Vejam:

Verônica Couto: “O tempo presente e o tempo passado/Estão ambos talvez presentes no tempo futuro/E o tempo futuro contido no tempo passado./Se todo o tempo é eternamente presente/Todo tempo é irredimível./O que poderia ter sido é uma abstração/Que permanece, perpétua possibilidade,/Num mundo apenas de especulação./O que poderia ter sido o que foi/Convergem para um só fim, …

A caranga que transporta os personagens para a Paris dos anos 1920

Meu comentário:

Clayton Melo: “Nica, gostei demais desse poema do T.S. Eliot, que, aliás, aparece do realismo fantástico do Woody Allen no filme ( ele dá uma carona para o Gil entrar no “túnel do tempo”, lembra?) . Esse tema – o passado – me atrai porque o passado pode, de alguma forma, perturbar, ainda que estejamos caminhando para a frente. Este trecho do Eliot: “O que poderia ter sido é uma abstração/Que permanece, perpétua possibilidade/Num mundo apenas de especulação… É fantástico! “Perpétua possibilidade! É isso: nossas memórias não são inocentes, são recriações vistas com os olhos do presente. Bom, sei que posso estar viajando, mas é que estou sob o impacto do filme”

Como se vê, o filme dá pano para manga e ainda vamos pensar a respeito. Para fechar, recorro ao camarada Evandro Lima, que comentou:

Evandro Lima: Muito bom mesmo, Clayton, saí do cinema com uma vontade de ler todos os livros do mundo e uma certeza, ainda que controversa, de que o bicho homem tem uma bela história.

Evandro, faço minhas as suas palavras.
Até o próximo post.

Eis o clipe.

Aqui vai o making of.

Easy Rider (Sem Destino) foi lançado em 14 de julho de 1969, num cinema chamado Beekman, em Nova York. A administração do local nunca tinha visto uma cena parecida por aquelas bandas: espectadores cabeludos e rebeldes sentavam-se na calçada, sem sapatos, e fumavam maconha nos banheiros, diz Peter Biskind no livro “Como a geração sexo, drogas e rock and roll salvou Hollywood” (Editora Intrínseca).

“Sem Destino deixou a contracultura estatelada com o choque do reconhecimento”, diz Biskind.

Filme contou com Hopper, Fonda e Nicholson

Road movie que conquistou seu espaço na história do cinema, especialmente como um dos que provocaram a derrocada na Velha Hollywood, na transição das décadas de 1960 e 1970, Easy Rider conta a história de dois caras (Dennis Hooper, também diretor do longa, e Peter Fonda, produtor; Jack Nicholson também atua) que cruzam o sul e o sudoeste dos EUA em suas motocicletas.

Talvez tenha sido o primeiro filme a captar as vísceras da contracultura – basta lembrar que Woodstock foi realizado no mesmo ano. A trilha é fantástica, com Steppenwolf e Jimi Hendrix, por exemplo).

Personalidade difícil de Hooper complicou produção

O filme causou barulho em seu lançamento tanto quanto durante sua própria produção. O período de filmagens foi uma tormenta, uma confusão atrás da outra. Depois de maluquices mil de Hopper – um sujeito difícil de lidar -, a equipe começou a debandar no meio das filmagens. Para piorar, Hopper e Fonda tiveram uma briga feia.

Hopper queria trazer à tona a carga emocional da morte da mãe de Fonda, que havia se suicidado, para uma cena em que o parceiro faria uma série de reclamações para uma estátua de Nossa Senhora. Depois de ingerir várias bolinhas e ficar doidão, Hopper falou para Fonda:

- Eu quero que você vá lá se sente no colo dela, essa é a versão italiana da Estátua da Liberdade, bicho, eu quero que você se sente no colo dela e pergunte à sua mãe porque ela abandonou você.
- Hoppy, você não pode fazer isso. Você está se aproveitando da situação – disse, irado, Peter Fonda.
- Ninguém vai saber, bicho. Tem que fazer isso, bicho.
- Todo mundo vai saber, todo mundo sabe o que aconteceu.

A tensão entre ambos chegou a tal ponto que os olhos de Hopper se encheram de lágrimas. Então Fonda subiu na Estátua e, com esforço, falou:

- Você é uma boba, mãe. Eu te odeio tanto.

“Essa foi a primeira vez que vocalizei alguma coisa desse assunto”, disse Fonda posteriormente. “Na verdade, eu também comecei a sucumbir. Estava aos soluços”.

Fonda atuou e produziu o longa

Easy Rider foi um sucesso: com um custo de U$S 501 mil, rendeu US$ 19,1 milhões e colocou Hooper na lista do grandes da contracultura, ao lado de John Lennon e Timothy Leary, relata Suskind, o que aguçou a megalomania do diretor.

“Sem Destino mostrava os rebeldes, os fora de lei e, por extensão, a contracultura como um todo, como vítimas. Estavam sendo exterminados pelo mundo careta, por Lyndon Jonhson, pela maioria silenciosa de Richard Nixon ou seus imitadores”, escreve Suskind.

A cena abaixo retrata bem o clima do filme – fotografia que explora a paisagem, a liberdade da estrada ao ritmo frenético de Born to be Wild.
Que começo de filme, não?

Alguém aí quer saber como fica o semblante (mas que palavra bonita essa!) de um escriba em ritmo alucinado de fechamento? Aí está. Tempere o cardápio com o fato de que a foto acima foi tirada no Copacabana Palace, no Rio, pertinho da praia e com um clima animado de festival de publicidade em volta. Wave Festival. Espumantes já circulavam nas cercanias. E eu lá, na corrida contra o tempo – duas matérias em menos de duas horas.

E eis que Eduardo Lopes, fotógrado e DJ (grande camarada) flagra a tensão escancarada na face. E Carlinha, esta que aparece de costas, olha e parece não acreditar. Ou não, né? Bom, ela e toda a turma ficaram à espreita nessa hora, só espiando a loucura alheia. Mas alguém tinha de trabalhar, né?

A edição cabulosa das fotos é do próprio Edu. Valeu, camarada!

Como diria o Frejat no lendário disco ao vivo, “agora o rock and roll vai rolar aí e vai direto. Vamu lá!”

>Como o Ponto de Fuga anda na toada de Matrix por esses dias, trago aqui um vídeo que, além de divertido, abre espaços para entendermos algumas das características principais das redes sociais digitais e da relação entre elas e o que poderíamos chamar de “mídia tradicional ( o mainstream da comunicação, como TV, cinema, revistas, jornais). Vou explicar melhor.

O Marcelo Coutinho, que é um estudioso de cibercultura (diretor do Ibope Inteligência, doutor em comunicação pela USP e professor de mestrado da Cásper Líbero), me falou em diferentes momentos sobre a cultura do remix no ambiente digital.

Nas redes sociais, observa ele, a remixagem de produtos culturais é uma realidade. Ou seja, filmes, vídeos, programas de TV etc, ganham nova forma ao serem reprocessados na rede por qualquer um. Dessa forma, os produtos têm vida prolongada e adquirem um novo significado, graças à participação e à interatividade. Esse fenômeno trará repercussões diretas na lógica da criação e no consumo de conteúdo por empresas e indivíduos daqui para frente. Mas, por hora, paremos por aqui. Mais adiante voltarei ao tema.

Depois desse preâmbulo, vamos nos divertir um pouco com a cultura do remix.

O vídeo abaixo é um exemplo desse fenômeno. É um barato.

Como seria se a Matrix rodasse no Windows XP? Bom, seria mais ou menos assim:

• Um dos problemas é que a bichinha ficaria lenta para chuchu se você baixasse uma pá de filmes:
• O Oráculo ofereceria a Neo ( o protagonista de Matrix) uns cookies e lembraria que, quando surgisse algum problema – e surgiriam vários, uma avalhanche –, seria necessário optar entre enviar ou não um relatório de erros;
• Neo iria implorar para aprender lutar kung fu em segundos para escapar do vilão da história, o agente Smith (“Mr Anderson, Mr Anderson, Mr Anderson, Mr Anderson) , e Cypher diria a ele que é impossível porque a versão gratuita de teste do referido software expirou;

Vá, veja logo antes que trave tudo e você tenha de dar um “reset”.

Bush se despediu à base da sapatadas e Barack Obama chegou ovacionado por milhões. É o porta-voz de uma euforia mundial poucas vezes na cena política internacional. Não é para menos. Ele chega com perfil, história e uma visão de mundo muito diferentes das do inquilino anterior da Casa Branca.

Seu discurso, reiterado na posse, é o pacificação, da colaboração, de um mundo multipolar, com o reconhecimento de que há novos protagonistas no tabuleiro geopolítico ( bem o posto do czar do Texas). Isso sem falar no fato de que Obama tem uma carisma inigualável. E sua mulher também, que não tem o perfil de dona-de-casa de mansão. E Jonh Favreau, que escreve os discursos, incluiu a frase que os brasileiros da Era Lula conhecem muito bem: “A esperança sobre o medo” (é um pouquinho diferentes na forma, mas o DNA é o mesmo). Coincidência? De jeito nenhum.

O povo quer Obama

Não, não pensem que estou achando que os EUA serão uma maravilha para o mundo, um país perfeito e bonzinho. Apenas vejo que algo realmente muda na paisagem americana. Ainda bem.

Para terminar, recorro a José Saramago, que publicou um post em seu blog com o qual concordo plenamente. Veja abaixo.

Donde?
By José Saramago

No fundo, o que Obama nos veio dizer é que outro mundo é possível. Muitos de nós já o vinhamos dizendo há muito. Talvez a ocasião seja boa para que tentemos pôr-nos de acordo sobre o modo e a maneira. Para começar.

O poeta Miró da Muribeca, durante uma performance entre goles de cervejas e boas risadas

Miró é um desses cabras porretas que encontramos pela vida. Sujeito bacana, agradável e muito, muito talentoso. Camarada que fica feliz em viver a vida ao lado dos amigos. E da poesia.

Poeta recifense com uma íntima relação com Sampa, Miro é um cronista das cidades, um repórter da poesia. Seus versos brotam das esquinas, dos bares, dos becos, das veias esburacadas vestidas de asfalto.

Miró é um velho-novo amigo que me foi apresentado por outro amigo do peito, o Dom Pixote Edson Lima, do Autor na Praça (da Benedito Calixto, em Pinheiros).

Edson Lima, uma grande figura

>Produtor cultural dos bons, Edson é um apaixonado por literatura. É daqueles que nadam contra a corrente não por achar bonito ser do contra, mas por insistir em seguir o coração, no que ele faz muito bem.

Edson é um devoto da cultura. Uma formiga cujo trabalho – por vezes sutil, que poucos vêem – produz frutos poderosos. Frutos para a cultura, por fomentar atividades vitais que se alastram subversivamente nos corações; para os amigos, por ser sincero e leal.
Mais que isso, Edson é um apaixonado por pessoas. Sua especialidade é conectar uns aos outros. Fazer com que gente interessante se conheça, tornando a vida uma jornada mais saborosa.

Poeta Miró – Ataque Cardíaco from Pedro Bayeux on Vimeo.

E assim conheci, de fato, Miró, com quem tomei contato rápido pela primeira vez há um ano, durante uma tarde sábado em que Edson o levou para um almoço organizado por outro amigo, o Cordeiro.

Um ano depois, Edson me “escala” – é isso mesmo, escalou – para um almoço com Miró. “Ele vai estar aí, vocês vão bater um papo muito legal”. Dito e feito.

Na Benedito, depois de algumas cervejas e bolinhos de bacalhau na barraca da Vera, esposa do Edson (outra pessoa iluminada), segui com Miró para o Museu da Língua Portuguesa, onde ele participaria de um encontro de poesia.

Mais tarde, foi a vez de Miro me apresentar outras grandes figuras – Ricardo, Mile e Silvana. Resumo da ópera: às 4 da manhã, sanduíche no Bar do Estadão, no centro, e a certeza de ter feito novos grandes amigos.

Feliz Natal!

Poeta Miró – São Paulo from Pedro Bayeux on Vimeo.

Na hora do apito final, o peito explodiu e as lágrimas escorreram. Não foram apenas umas gotinhas, dessas que pedem licença – foi um choro desbragado, de soluçar, de lavar a alma. Um choro que de tão alegre me fez voltar até um tempo feliz que guardo na memória: a recordação das épocas de menino em que brincava de astro de futebol, driblando a solidão de filho caçula que desenhava jogadas que só eu sabia como eram belas e mágicas.

Nos jogos imaginários na garagem de casa, eu sempre vestia a camisa do time do coração. Eram bordadas à mão pela minha mãe, que unia em vermelho, branco e preto os sentimentos mais valiosos que um ser humano pode dedicar ao outro. As camisas eram de algodão grosso, como não se fazem mais.

As partidas eram disputadas enquanto meu pai e sua Brasília laranja estavam fora, o que significava campo aberto para cobranças de falta na forquilha, cruzamentos de trivela, lançamentos em profundidade.

Foto: Araquém Alcântara

A camisa trazia invariavelmente o 11 às costas – o número do primeiro ídolo do futebol de minha vida. “Ele gosta do Zé Sérgio”, dizia minha mãe, referindo-se a um dos mais habilidosos e ágeis pontas-esquerdas que o futebol brasileiro produziu. Ainda hoje, se o assunto vier à tona, ela certamente se lembrará de tudo isso – e me fará sorrir.

Antes mesmo do apito final soar na partida entre São Paulo e Goiás, lá em Brasília, no Bezerrão, eu também me lembrava das primeiras vezes em que fui ao estádio. Meu pai querido, os três irmãos, mais velhos, cada um ao seu modo um espelho para mim.

Eu tinha cinco anos, mas me lembro bem daquele domingo de sol – que terminou com uma baita chuva – em que a festa deu lugar à desilusão e em que pela primeira vez vi uma multidão chorar. O Tricolor perdera a final do Brasileiro para um outro tricolor, o do Sul – o mesmo que agora disputou com o meu São Paulo o título de 2008.

Enrolado numa bandeira gigante – para mim tudo era gigante -, eu não entendia direito, mas sabia que alguma coisa muito triste havia acontecido diante de meus olhos. Por isso também chorei. Foi assim que aprendi aquilo que depois soube se chamar cumplicidade.

Foto: Caio Murilo

E assim também conheci a tristeza, que tinha um nome – Baltazar, o centroavante do inimigo – e bateu em nossos corações depois de uma matada no peito e um tirambaço da entrada da área. Uma tristeza classuda, de categoria, mas nem por isso menos dolorosa.

Foi ao sabor dessas reminiscências que comemorei o título de campeão brasileiro de 2008 pelo meu São Paulo – campeonato que teve como rival na reta de chegada o mesmo tricolor gaúcho que há 27 anos me apresentou a tristeza. Se naquele domingo de 1981 eu experimentava um dos sentimentos mais marcantes da vida, ao ver o nosso capitão Rogério erguer a taça tive a impressão de descobrir alguma coisa a mais sobre mim.

E assim me senti, pelo menos por breves instantes, como o menino que fazia jogadas incríveis com bolas de meia e tabelava com os próprios sonhos diante de um futuro que se desenhava a cada drible, a cada grito de gol.